CUBISMO COLLAGE
CUBISMO COLLAGE
1. PROCESO DE CREACIÓN
Para esta segunda práctica, trabajamos con tinta china. Este es un material usado principalmente en caligrafía china, japonesa y coreana; nosotras no la utilizamos para caligrafía, sino para realizar un retrato de nuestra compañera utilizando diversos utensilios. Ya que era la primera vez que utilizábamos este tipo de material, nuestro profesor nos mostró como manejarlo.
Los materiales que usamos fueron: tinta china, cartulinas de distintos colores, agua, cañitas, cuerdas, trapos, papel, jeringuilla, estropajo, caña de madera de un clarinete.
Los materiales que usamos fueron: tinta china, cartulinas de distintos colores, agua, cañitas, cuerdas, trapos, papel, jeringuilla, estropajo, caña de madera de un clarinete.
Fotografía diferentes utensilios.
Nos pusimos en marcha con nuestra segunda práctica y comenzamos a dibujar en forma de retrato a nuestra compañera. La poca costumbre de no dominar el material, nos mostró que tiene un poco de dificultad. A continuación, podemos ver algunos de nuestros primeros intentos, los cuales no nos sirvieron.
FOTO 1º RETRATOS FAIL
En esta práctica intentamos que, a través del uso del agua, la tinta creara su propia figura, de tal forma que no quedase un retrato perfecto, si no todo lo contrario. Estos fueron nuestros resultados:
El siguiente paso fue recortar con distintas formas y tamaños nuestros retratos:
Y una vez realizado este paso, pegamos varios pedazos en una cartulina blanca, creando así una imagen, en nuestro caso una cara.
2. INTERVENCIÓN USANDO EL COLLAGE.
Para pasar al siguiente paso; la intervención, salimos a la calle. Esta vez, a diferencia de la primera práctica, no dejamos la obra colgada en el medio urbano.
3. REFLEXIÓN CRÍTICA DE LA PRÁCTICA
1. En esta práctica no buscamos una relación conceptual con el espacio, entendiendo concepto como el significado que tenga nuestra obra. Más bien nos fijamos en su estética (color, forma, impacto visual,...).
2.. A través de esta práctica y de las explicaciones teóricas, hemos reflexionado sobre el color negro. En nuestra cultura, se trata de un color no reconocido como bello, usado la mayoría de las veces relacionado con lo fúnebre, lo siniestro, la mala suerte y el racismo. De hecho, tal y como nos mostró nuestro profesor, algunos padres del colegio donde realizó un proyecto sobre este color no aceptaron vestir a sus hijos enteros de negro para ir a clase.
Nos resultaron muy interesantes algunas de las reflexiones de los alumnos de ese centro escolar, trabajando con él cambiaron su concepción y asociaron al color negro comentarios como que tenía una ''belleza profunda''.
Aunque de una manera distinta, nosotros también hemos trabajado con el negro en esta práctica. Lo hemos hecho con una base de color, pero lo que nosotros creábamos era solo utilizando el color negro. A través de diversas técnicas hemos conseguido sacarle mucho partido al negro y el resultado ha sido realmente bello y artístico.
3. Relacionar con autores.
Paul Cézanne, es reconocido como el padre de la pintura moderna, abarca desde 1839 a 1906, siendo puente o nexo de unión entre el siglo XIX y las nuevas propuestas del XX.
Supuso una figura de gran influencia para Braque y Picasso ya que aportó una visión revolucionaria a través de la observación de los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a su representación desde perspectivas diferentes al mismo tiempo. Esta simultaneidad sería adoptada después por los cubistas.
Se podría decir que la obra de Cézanne era tratar todo como objetos, es decir, una figura humana, baños al aire libre, manzanas sobre la mesa o paisajes, se plasmaban como objetos desprovistos de vida.
Pablo Picasso, pintor y artista español, que comprende desde 1881 hasta 1973, para Picasso, Cézanne fue su autor fetiche, del que tomó muy buena nota.
Georges Braque, nace y se desarrolla en Francia, abarca desde 1882 a 1963, siendo coetáneo de Picasso, coincidieron en estilo artístico pero con matices distintos.
A diferencia de Braque, a Picasso le gustaba representar figuras humanas mediante la técnica de cubismo, en este aspecto, nuestra propuesta se ha basado en un retrato humano, sintiéndonos identificadas con Picasso en este sentido. Por otro lado, Braque prefirió representar las naturalezas muertas para sus pinturas.
2.. A través de esta práctica y de las explicaciones teóricas, hemos reflexionado sobre el color negro. En nuestra cultura, se trata de un color no reconocido como bello, usado la mayoría de las veces relacionado con lo fúnebre, lo siniestro, la mala suerte y el racismo. De hecho, tal y como nos mostró nuestro profesor, algunos padres del colegio donde realizó un proyecto sobre este color no aceptaron vestir a sus hijos enteros de negro para ir a clase.
Nos resultaron muy interesantes algunas de las reflexiones de los alumnos de ese centro escolar, trabajando con él cambiaron su concepción y asociaron al color negro comentarios como que tenía una ''belleza profunda''.
Aunque de una manera distinta, nosotros también hemos trabajado con el negro en esta práctica. Lo hemos hecho con una base de color, pero lo que nosotros creábamos era solo utilizando el color negro. A través de diversas técnicas hemos conseguido sacarle mucho partido al negro y el resultado ha sido realmente bello y artístico.
3. Relacionar con autores.
Para comenzar, queríamos hacer hincapié en la palabra que
representa a este género artístico, “CUBISMO” al oírlo pensamos que la imagen
final de la obra que desarrollaríamos tendría que ver con figuras geométricas
en forma de cubo, pero al seguir las indicaciones de Marco nos dimos cuenta que
sería todo lo contrario ya que, en realidad, en el cubismo no hay cubos. Sino
todo lo contrario. El cubismo consiste en reconocer la naturaleza bidimensional
del lienzo (alto y ancho) y no representar la tridimensionalidad.
- Autores representativos del cubismo por orden cronológico:
Supuso una figura de gran influencia para Braque y Picasso ya que aportó una visión revolucionaria a través de la observación de los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a su representación desde perspectivas diferentes al mismo tiempo. Esta simultaneidad sería adoptada después por los cubistas.
Se podría decir que la obra de Cézanne era tratar todo como objetos, es decir, una figura humana, baños al aire libre, manzanas sobre la mesa o paisajes, se plasmaban como objetos desprovistos de vida.
Pablo Picasso, pintor y artista español, que comprende desde 1881 hasta 1973, para Picasso, Cézanne fue su autor fetiche, del que tomó muy buena nota.
Georges Braque, nace y se desarrolla en Francia, abarca desde 1882 a 1963, siendo coetáneo de Picasso, coincidieron en estilo artístico pero con matices distintos.
A diferencia de Braque, a Picasso le gustaba representar figuras humanas mediante la técnica de cubismo, en este aspecto, nuestra propuesta se ha basado en un retrato humano, sintiéndonos identificadas con Picasso en este sentido. Por otro lado, Braque prefirió representar las naturalezas muertas para sus pinturas.
Dentro del cubismo encontramos dos perspectivas: el cubismo analítico
el cual representa una realidad descompuesta llegando a ser casi irreconocible,
donde lo relevante es captar los puntos de vistas de la obra, y el cubismo sintético
donde queda recogida la técnica que hemos experimentado (collage).
Picasso versionó y mejoró la técnica que comenzó liderando y
experimentando Braque y él fue considerado más profundamente el auténtico
creador del estilo collage.
Ambos crearon el movimiento cubista basándose en el
cuestionamiento de la realidad, ya que toda imagen y toda acción tiene
diferentes puntos de vistas, diferentes perspectivas y ángulos de visión.
Ofreciendo un campo visual amplio, entendiendo lo arriesgado que debió ser para
la época donde se desarrollaron las obras y la mentalidad de aquel momento.
Igualmente, nosotras nos sentíamos un poco inseguras en
cuanto a ir pegando fragmentos inconexos y fue “arriesgado” ir uniendo trozos
de distintos retratos, ya que estamos acostumbradas a un estilo plano, lineal,
tradicional y convergente.
Pero resultó muy gratificante comprobar como la unión de las
piezas puede transmitir un mensaje global, en el cual encontramos belleza,
sentido, orden, igualdad. El epicentro del collage es el mensaje de que todas
formamos una sola pieza, ya que la unión de nuestras habilidades y debilidades,
da lugar a la generación de sinergias dentro del equipo donde este se
enriquece, va sumando, va creciendo y haciéndose cada vez más plástico, moldeable
y nos permite una visión que admite más posibilidades y formas, considerando
que ese es el desiderátum de las artes plásticas.
Juan Gris, pintor español que nació en 1887 hasta 1927, bajo las influencias de Braque y Picasso, se incorporó al movimiento cubista en 1912, aunque su técnica fue más estilizada y suave también introdujo un poco más de color a las obras, además de utilizar el collage, utilizó el papier collé, que consiste en recortar trozos de cartón o papel que posteriormente se pegan al lienzo.
Se caracteriza por creer que la pintura es algo más que la copia fiel de un objeto, por lo tanto, ve necesario interpretar la realidad.
Juan Gris, pintor español que nació en 1887 hasta 1927, bajo las influencias de Braque y Picasso, se incorporó al movimiento cubista en 1912, aunque su técnica fue más estilizada y suave también introdujo un poco más de color a las obras, además de utilizar el collage, utilizó el papier collé, que consiste en recortar trozos de cartón o papel que posteriormente se pegan al lienzo.
Se caracteriza por creer que la pintura es algo más que la copia fiel de un objeto, por lo tanto, ve necesario interpretar la realidad.
Al realizar el collage el efecto final deseado debería ser como un vidrio cuando se quiebra en trozos y el retrato se ve cristalizado.
El arte fragmentado y roto se impuso tras la I Guerra Mundial por parte de Kurt Schwitters en 1930 “Todo está llamado a romperse y debemos hacer cosas nuevas con los restos”.
Además de presentar una visión del mundo como algo fracturado debido a la situación de la época, esta idea denota la indurabilidad de la materia y se podría enlazar con la idea de reutilizar para crear nuevos proyectos.
Schwitters exploró el collage, como una forma técnica que en sí misma es una forma de destrucción (la cartulina se recorta para crear una nueva obra a partir de los escombros).
Siguiendo bajo esta línea y a medida que realizamos esta segunda práctica, vino a mi cabeza una cita mencionada en la película Donnie Darko, cuyo estreno tuvo lugar en 2001, el nombre del film pertenece también al protagonista de la misma, el cual es un chico adolescente super inteligente y con una gran imaginación que sufre de esquizofrenia, y al que se le empieza a aparecer un macabro conejo gigante que le da directrices de lo que debe hacer, Donnie debe luchar por entender qué le sucede en un mundo que no comprende y donde todo se desmorona, rodeado de esta situación Donnie muestra una actitud rebelde hacia la escuela, la cual bloquea la actitud crítica de los jóvenes obstaculizando su creatividad, ante la hecatombe que se aproxima, ya que el conejo vaticina que el mundo se acabará en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos Donnie pronuncia la mítica frase que viene a colación: "la destrucción es otra forma de creación", aunque estos términos puedan parecer antagónicos o contradictorios, más que eso son dualidades, es decir, se complementan, uno no puede existir sin el otro, estas dos cualidades se retroalimentan la una a la otra, estamos hablando del momento en el que tuvimos que destruir los bocetos que realizamos para esta práctica, literalmente tuvimos que recortarlos, romper su estructura y su sentido para posteriormente crear uno nuevo que compactara con los retratos que hicimos todas con el objetivo de que la obra final cambiase radicalmente.
Siguiendo bajo esta línea y a medida que realizamos esta segunda práctica, vino a mi cabeza una cita mencionada en la película Donnie Darko, cuyo estreno tuvo lugar en 2001, el nombre del film pertenece también al protagonista de la misma, el cual es un chico adolescente super inteligente y con una gran imaginación que sufre de esquizofrenia, y al que se le empieza a aparecer un macabro conejo gigante que le da directrices de lo que debe hacer, Donnie debe luchar por entender qué le sucede en un mundo que no comprende y donde todo se desmorona, rodeado de esta situación Donnie muestra una actitud rebelde hacia la escuela, la cual bloquea la actitud crítica de los jóvenes obstaculizando su creatividad, ante la hecatombe que se aproxima, ya que el conejo vaticina que el mundo se acabará en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos Donnie pronuncia la mítica frase que viene a colación: "la destrucción es otra forma de creación", aunque estos términos puedan parecer antagónicos o contradictorios, más que eso son dualidades, es decir, se complementan, uno no puede existir sin el otro, estas dos cualidades se retroalimentan la una a la otra, estamos hablando del momento en el que tuvimos que destruir los bocetos que realizamos para esta práctica, literalmente tuvimos que recortarlos, romper su estructura y su sentido para posteriormente crear uno nuevo que compactara con los retratos que hicimos todas con el objetivo de que la obra final cambiase radicalmente.
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